critique Archives - La Semaine du Minervois

Chronique cinéma : El Buen Patron, un manipulateur père/patron

24 juin 2022 By Redaction

Espagne 2021

Réalisation : Fernando-Léon de Aranoa

Durée : 2 h 00

Avec : Javier Bardem, Manolo Solo, Almudena Amor

À la veille de recevoir un prix censé honorer son entreprise, Juan Blanco, héritier de l’ancestrale fabrique familiale de balances, doit d’urgence sauver la boîte. Il s’y attelle, à sa manière, paternaliste et autoritaire, comptant évacuer les revendications des travailleurs dans un bref délai en mettant en place réorganisation et licenciements. Vous avez dit un bon patron ? Toujours est-il que ses problèmes commencent quand un de ses ouvriers les plus anciens qu’il vient de virer se met à manifester à la porte de l’usine. Ses ennuis ne font que débuter. Voilà qu’un contremaître met en danger la production parce que sa femme le trompe. Ajoutez à cela une stagiaire irrésistible et vous avez tous les ingrédients d’une comédie. Une comédie aigre-douce toutefois. Juan dirige son usine à l’ancienne : hypocrite, très paternaliste, patelin avec son personnel et acoquiné avec tous les pouvoirs locaux. Notre homme est cynique et ignoble mais le film prend son temps pour installer plusieurs situations inextricables qui pourrissent la vie de cet entrepreneur prêt à tout pour rester le leader dans son marché. En outre il s’imagine que son charisme donne régulièrement envie de tomber à ses genoux. C’est d’ailleurs ce que semblent vouloir faire ses employés de tous genres lors de la petite sauterie qu’il organise pour galvaniser ses troupes, mettant en avant que, pour lui, dans la conduite de sa modeste entreprise c’est l’humain avant tout ! Hypocrisie avons-nous dit, mais le spectateur se laisse parfois piéger. Au début, il comprend sa façon de gérer mais, petit à petit sont franchies des lignes rouges auxquelles il est difficile de souscrire. Le scénario est construit avec des éléments dramatiques traduits en comédie avec un humour permanent et d’excellents dialogues démontant les mécanismes du capitalisme moderne. Cet humour, celui qui ici nait du drame, nous parle de la nature humaine. Il émane de ce travailleur désespéré, qui campe devant ce qui fut son lieu de travail. À chaque fois que le patron entre ou sort de l'usine, il crie des slogans approximatifs dans une vieille corne de taureau abîmée. Presque tous les personnages du film ne pensent qu'à eux, et Blanco ne fait pas exception. Il est servi par l’ interprétation haut de gamme d’un sublime Javier Bardem.

Jean Segonne

Chronique cinéma : « Serre moi fort », portrait d’une femme en pièces

18 novembre 2021 By Redaction

France 2021

Réalisation : Mathieu Amalric

Durée : 1 h 37

Avec: Vicky Krieps, Arieh Worthalter, , Anne Sophie Bowen-Chatet

Tout commence par le départ d'une femme abandonnant sa famille. Que fuit elle au volant de sa voiture américaine des années 70 ? Ces premières images donnent l’impression au spectateur que le temps s’est arrêté. Il pressent un drame mais lequel ? Clarisse roule dans la lumière d’hiver jusqu’à la mer. Elle tangue et chancelle, boit dans les bars, pose sa tête sur l’épaule d’hommes rencontrés par hasard. À la maison, Marc prépare le petit déjeuner des enfants, s’énerve, tente de donner le change. Bon, une femme en cavale, un homme resté au foyer avec les enfants : une histoire apparemment banale d’ennui conjugal vous dites vous. Mais, très vite l’étrangeté s’installe. Nous comprenons que nous sommes dans l’imagination de la femme mais il y a aussi un homme. Lequel de ces deux mondes est le réel ? Celui de l’homme ? Celui de la femme ? Petit à petit on commence à sentir, à entrevoir. Mais l’on préfère continuer à suivre l’imaginaire de la femme qui s’évertue à tisser son propre fil. Un fil auquel on s’accroche car il protège encore des blessures que l’on pressent. Dans quel espace-temps sommes nous ? On comprend vers la moitié du film. Clarisse a perdu son mari et ses enfants dans un accident de montagne, à la frontière espagnole. Les corps ont été recouverts par la neige et il aura fallu attendre le printemps pour qu’ils puissent être retrouvés. Dans ce temps suspendu, où toutes les fictions sont encore possibles, Clarisse s’échappe, se noie dans le déni. Le réalisateur efface la frontière entre le vrai et le faux jusqu’à ce que le spectateur épouse le point de vue de Clarisse et s’engouffre dans sa tempête intérieure. Il voit tout de même que la fuite chimérique est tissée d'une réalité trop difficile à accepter. Le mélange entre le vrai et le fantasmé se déploie autant dans le temps que dans l'espace. Ce qui compte n’est pas tant la révélation de la mort, que le déploiement d’une imagination de survie pour déjouer la douleur et la perte, éviter de sombrer. Au mot deuil, qui n’est jamais prononcé, Mathieu Amalric oppose une injonction, « Serre moi fort », d’autant plus belle qu’elle appartient au monde d’avant. Mais la vie continue. Actrice féline au visage changeant comme un paysage, Vicky Krieps, éclaire le film d’une magistrale performance.

Jean Segonne

Chronique cinéma : Sous le soleil d’Alice, le rêve d’un paradis perdu

28 octobre 2021 By Redaction

France 2020

Réalisation : Chloé Mazlo

Durée : 1 H 30

Avec : Alba Rohrwacher, Wajdi Mouawad, Isabelle Zighondi.

Dans les années 60, la jeune Alice quitte la Suisse pour le Liban, contrée ensoleillée et exubérante. Là-bas, elle a un coup de foudre pour Joseph, un astrophysicien malicieux qui rêve d'envoyer le premier Libanais dans l'espace. Alice trouve vite sa place dans la famille de ce dernier. Mais après quelques années de dolce vita, la guerre civile s'immisce dans leur paradis. C’est un merveilleux rêve éveillé auquel nous convie la réalisatrice. Elle recrée ce Liban fantasmé de ces années-là non pas avec les moyens d’une reconstitution classique, mais avec des artifices infiniment poétiques: panneaux peints pour décrire la truculence des rues de la capitale levantine, séquences d’animation pour évoquer la Suisse qu’Alice a quittée. C’est le rêve d’un paradis perdu qui n’existe que dans le souvenir de celles et ceux qui l’ont connu et qui disparaîtront bientôt. Il peut nous paraitre étonnant de parler de délicatesse à propos d'un film sur la guerre qui a secoué le Proche-Orient pendant près de vingt ans. Mais cette progressive descente aux enfers est évoquée à travers le quotidien d'une jeune femme toute de tendresse et d'empathie. Et quand la guerre arrive, brisant peu à peu le bonheur et les équilibres familiaux, Chloé Mazlo ne se départit pas de son style antinaturaliste pour en traduire l’absurdité baroque en même temps que la violence terrible. Nous ne voyons pas des civils qui en sont victimes de plein fouet, physiquement. Ils sont chargés de douleurs plus intérieures, sourdes. Ces personnages ne veulent pas s’avouer qu’ils ont peur ou qu’ils se sentent mal. Ils n’arrivent pas à communiquer et à pleurer ensemble. Il faut voir ces miliciens d’opérette qu’on croirait sorti d’un tableau grotesque envahir les appartements! Mais aussi ridicules soient-ils, ils vont peu à peu détruire le Liban. Les liens sociaux et familiaux se délitent, le fracas des bombes terrorise, tous les beaux projets s'effritent, un beau-frère parti faire une course disparait à jamais une voisine à sa fenêtre est tuée par un snipper. Le tout sur une pellicule à gros grains qui donne aux images un côté délicieusement suranné. Citons aussi la prestation d’Alba Rohrwacher qui incarne Alice. D’origine allemande elle s’est sentie en phase avec cette Suissesse tombée en amour pour le Liban.

Au Colisée à Carcassonne

Jean Segonne

Chronique cinéma : Rouge, un polar écologique

9 septembre 2021 By Redaction

France 2020

Réalisation : Farid Bentoumi

Durée : 1 H 28

Avec : Zita Hanrot, Sami Bouajila, Céline Salette, Olivier Gourmet

Le récit se situe dans une nature montagneuse si imposante qu’elle apparaît immuable. Et pourtant, on y trouve une usine chimique où Nour, une infirmière, effectue ses premiers pas. Elle est en terrain connu puisque son père, Slimane, délégué syndical, fait partie des meubles. Mais les mauvaises surprises s’amoncellent. Dossiers de santé des salariés incomplets, visites médicales pas à jour, manquements répétés à la sécurité, la soignante veut remettre de l’ordre. Or, son père l’invite à ne pas faire de vagues. Un contrôle en cours pourrait mettre en péril l’agrément de l’usine et sa pérennité. Emma , une journaliste indépendante, n’a pas les mêmes préventions. Elle enquête sur des rejets de déchets dangereux et demande à Nour de l’aider à trouver des preuves. Les deux jeunes femmes vont peu à peu découvrir cette usine, pilier de l’économie locale et les destructions provoquées par un capitalisme avide de profits et assurant en façade matérialité économique politique et confort social. Rouge captive lorsqu’il touche à la question sociale et au dilemme apparemment insoluble de l’ambigüité entre la sauvegarde de l’emploi et le respect des normes sanitaires C’est l’une de ses qualités. La bonne idée du cinéaste est de placer cette contradiction au sein d’une famille. Il s'articule en thriller et cache bien des secrets. Entre mensonges sur les rejets polluants et autres accidents dissimulés, Nour va devoir choisir : se taire ou trahir son père pour faire éclater la vérité. Cette chronique écologique coriace met en avant les mefaits des actionnaires tout puissants. Mais votre rédacteur extrapole. Nous sommes surtout face à un drame intime où les générations rentrent en collision. Tout cela nous est servi avec suspense et émotions. Même si les problématiques de l'usine et les conditions de travail des salariés sont au cœur le cinéaste signe un polar qui ne prend pas parti même s’il oppose la jeune génération à ses ainés qui ont épuisé les ressources. Il interroge les rapports intergénérationnels et donne à voir des Français issus de l’immigration sans les caractériser ni les cantonner à cette identité. Il prend soin de poser des questions sans apporter de réponses tout en invitant le spectateur à une réflexion susceptible de faire évoluer les choses.

Au théâtre à Narbonne

Jean Segonne

Chronique cinéma : Michel-Ange, un grand moment de cinéma

2 juin 2021 By Redaction

Russie / Italie 20019

Réalisation : Andrey Konchalovsky

Durée : 2 H 16

Avec : Alberto Testone, Elena Kisevela, Yuliya Vsotskaya, Orsio Maria Guerrini

Le grand cinéaste russe, réalise, à plus de 80 ans, un chef-d’œuvre de vitalité et de véracité. Il nous amène en pleine Renaissance avec Michel Ange à travers les moments d’angoisse et d’extase de son génie créatif. Il existe un 16 ème siècle absent de l’imagination des séries télévisées qui présentent des mains trop douces, des ongles vernis, des cheveux soyeux, où les artistes, ont l’air de cocottes à genoux devant les puissants. Ici ce n’est pas le cas. Réduit à la pauvreté après son combat pour terminer le plafond de la chapelle Sixtine, l’artiste devient obsédé par l’idée de trouver le meilleur marbre pour terminer son tombeau. Cela nous vaut des séquences tournées dans les carrières où il se fournissait en blocs de marbres gigantesques qui constituent à elles seules un grand et unique moment de cinéma. Ce film sent la sueur, la mort, le sang, la maladie, la saleté, la promiscuité qui caractérisaient cette époque. Nous y sommes, nous y croyons. Nous vivons dans l'univers des petites gens, des travailleurs de la pierre. Nous suivons comme un thriller, les pérégrinations du "Monstre", le plus gros bloc de marbre jamais extrait, dont Michel Ange veut disposer dans son intégrité, qu'il va donc falloir descendre de ces montagnes abruptes, avec toute une machinerie, des treuils, des cordes, avant de le tracter vers le port de Carrare par un attelage à une trentaine de magnifiques et puissants bœufs. Le réalisateur filme en longs plans-séquences ces scènes de véritable combat humain à l’aide de six caméras faisant de ce moment un morceau de cinéma exceptionnel. Faire du plus gros bloc de marbre brut jamais découpé un personnage autour duquel tout le monde tourne est en fait la belle idée du film. Il y a aussi la caricature de l’artiste évoluant dans des décors naturels somptueux autant blanchis par le soleil que les intérieurs sont crépusculaires, éclairés par la seule lumière des bougies. L’exaltation et le mysticisme de Michel Ange sont ainsi mis en valeur par ce travail sur la lumière et les cadrages. Il est frappant de constater l'incroyable ressemblance de l'acteur Alberto Testone avec son modèle. Il incarne son personnage avec un réalisme singulier. Une performance magistrale qui s'inscrit dans un film insaisissable, fou, puissant et passionnant.

A Lézignan le 2 juin

Jean Segonne